劇本筆記：讀劇必修的22堂課

名人推薦：書評

「在極少的頁數中，這本奇妙的指導性書籍展示如何解開情節、人物、主題、圖像、動機、衝突、戲劇和節奏的奧祕。我們的編輯表示，他在幾個小時內學到了他在20年的戲劇經驗中所說的更多戲劇性結構。」—Stage Directions

引言

這本書，寫給所有把戲劇搬上舞台的人：演員們、導演們、各種設計師、技術人員們，以及劇作家們（也是為了那些單純享受閱讀劇本樂趣的人而寫——如果他們同意劇本存在的意義是為了被放在舞台上演出的話。但是本書主要還是寫給那些真正在舞台上搬演劇本的人，其他人如果有看到都只能算是剛好而已）。劇本並不是單純把散文式的敘事，改成對話形式就好了，而是為了舞台而存在，具備特別的寫作技巧和方法，高度費工的一種文體。

書中的種種技巧，可以幫助你以一種分析的方式，去看清楚劇本是怎麼樣變成一齣戲。戲劇的意義是什麼，其實不會是那些劇場藝術家或技術人員，在規劃考量時的第一順位。對他們來說，如何讓一個時鐘轉動，比起知道時鐘顯示的是幾點更重要。更何況，在理解劇本的運作方式之前，你也沒辦法先去找出它的意義。

做一齣戲，要從掌握戲的機械原理和核心價值開始。如果連你自己都搞不清楚，那就更別提怎麼讓觀眾理解，而你所有的努力都將是一場空。劇場是藝術家、技術人員和劇本的綜合體，只要漏了任何一部份，就沒辦法很有效的把劇場上的一切整合在一起。

但是現在戲劇系的學生已經停止閱讀劇本。雖然他們持續的看戲，有時候甚至也會「看著」劇本，但很少會去思考為什麼。所以，去除了天份和複雜的訓練之後的演員們，什麼也做不到；舞台的各種設計師們雖然知道概念，卻無法完整掌握；至於寫劇本的作者們，更不可能明白為什麼哈姆雷特父親的鬼魂，直到第一幕第五景之前都沒有說一句話，可一旦開口，他所說的卻成了幾十年來的經典；而導演們，導起戲來窒礙難行，再無其他。

劇場的藝術家們，從劇本上獲得的感受少，能放到舞台上的就少。這就是為什麼有一群又一群準劇場人永遠默默無名、不成角兒，因為無論在零的基礎上怎麼加乘，表現出來的只能永遠是零。

本書要討論的是閱讀劇本的技術。所謂技術，並不一定總是受學生們歡迎，但是就像研究蘊含著高度技巧的表演、設計或導演手法一樣，用一種聰明且充滿想像力的方法來研讀劇本，也很能刺激靈感。不懂得任何技巧卻能靈光乍現－如果這種狀況有可能成立的話－根本就是神蹟降臨。所以如果你總是空手等著靈感找上門，那麼你會發現，當你越是需要靈感，就越是等不到它。

這本書只講技術。你必須自己先有靈感、夠聰明，再加上想像力，這些都是沒辦法教，也沒辦法訴諸文字，甚至很難被描述。但是技術可以讓這些要素成形，也可以幫助你渡過無法想像、摸不著頭緒，甚至一點靈光都沒有的那種困難時刻。

技術就跟各種其他好用的工具一樣，並不會侷限你的成果。舉例來說，對一個好的劇本而言，所謂唯一的正解並不存在，但是把劇本讀出聲音來，卻能幫助你確認，你對劇本的詮釋是合宜並且具備演出價值的。

劇本分析是一項重大工程——就跟在劇場中所要做的其他各種工作一樣。如果你在研讀劇本時不但夠努力勤勉，還能掌握有效的技巧，你的市場競爭力自然相對提升。如果你是演員，便能出類拔萃、鶴立雞群；如果你是設計師，你能夠真正的設計一座舞台，而不僅僅是個裝潢工匠；如果你是導演，製作人會因為你的能力和價值而聘用你，做個名符其實的導演，而非協調瑣事的場務。如果你是一個編劇，你可以超脫交英文課作業的等次，進一步發現怎麼為一群觀眾寫戲。

本書大量的引用了莎士比亞的《哈姆雷特》（Hamlet），先把《哈姆雷特》讀完，然後搭配這本《前後：戲劇閱讀的技術手冊》一起閱讀。本書還引用了其他好幾本劇本，所以如果你對這些劇本不熟悉，當你在書中第一次讀到他們的時候，不妨就記下來當成延伸閱讀的作業。不要欺騙自己，不要跳過或假裝沒看到，因為在你身後，多的是等待機會的人，只要你一鬆散，這些人就能立刻取代你在劇場中位置（如果你真的可以在劇場中站一席之地的話）

當你能掌握閱讀劇本的技巧之後，就沒有劇本可以難得倒你。而且你會發現，有技巧地閱讀劇本能帶來很特別的愉悅感受。這種讀法不會讓閱讀劇本變成令人厭煩的苦差事，更不至於囫圇吞棗，可惜的是，很多人都不知道。

關於術語

高潮（climax）、戲劇起點（point of action）、結局（denouement）、衝突（rising action）、收尾（falling action）、骨幹（spine），還有亞里斯多德（Aristotle）定義的情節（plot）、角色（character）、思想（thought），以及其他更多的專有術語等等，反映出各式各樣用來理解、接近劇本的手段。但是，要精準定義這些術語，已經很難取得共識，更別提要怎麼把這些術語代入劇本分析之中。這並不代表我們得將專有術語束之高閣，反而提醒我們，必須更加小心謹慎地使用這些詞彙。例如，高潮是指情緒波動最高漲的時刻嗎？是誰的情緒波動？觀眾的？還是劇中人物？或者有沒有其他可能性，像是戲劇行動逆轉了劇情走向的時刻？這兩種情況往往不會一起出現。如果沒有先定義「高潮」這個專有術語該怎麼使用，就試圖開始討論，只會造成誤讀和困惑。話說回來，即使我們給予高潮一個明確的定義，你也得懂得怎麼找到劇本的高潮處——這種時候你更需要精確的分析工具。

當你只看亞里斯多德的說法，戲劇就會很簡單的被分成情節、角色、思想這幾個原料，但這些代表的是分析出來的結果，並不是開始分析的第一步。換句話說，你僅僅知道要去找出這些原料來，但不知道怎麼找。本書就是要告訴你怎麼找。

一齣戲的劇情，是由其他元素組合而成的產品。

角色－特別在非喜劇中－不是做劇本分析的開始，而是結束。在舞台上（或現實生活中），角色是捉摸不定、來去飄忽的。要了解角色，必須仰賴各項環節的分析——各項具體、可觸摸掌握的環節。

至於思想：別妄想你能在還沒了解劇本組成的具體元素之前，就有辦法理解劇中的思想。本書將會談及這些具體的元素。

情節、角色、思想，以及其他種種專有術語，拿來描述一個細緻的劇本分析結果，是非常有幫助的，但不代表靠這些術語就能做出細緻的劇本分析。

因為每一個讀者必須形塑出對這些既有術語的定義，因為大多數的專有術語呈現的是分析結果而非分析技巧，更因為很多術語所能描述的狀態，都是模糊且難以捉摸的。而本書則是非常謹慎、定義明確的使用這些專業術語。只要能夠理解這本書是怎麼使用、對待專業術語，對書中所描述的那些技巧就成功掌握了一半。

劇本分析是一種精準的手工藝。專有術語是你的工具，而你需要完全理解、駕馭你的工具的本質。如果你連鐵鎚和斧頭都分不清楚，要怎麼蓋房子？更別提你大概連棵樹都砍不倒吧。

引言

這本書，寫給所有把戲劇搬上舞台的人：演員們、導演們、各種設計師、技術人員們，以及劇作家們（也是為了那些單純享受閱讀劇本樂趣的人而寫——如果他們同意劇本存在的意義是為了被放在舞台上演出的話。但是本書主要還是寫給那些真正在舞台上搬演劇本的人，其他人如果有看到都只能算是剛好而已）。劇本並不是單純把散文式的敘事，改成對話形式就好了，而是為了舞台而存在，具備特別的寫作技巧和方法，高度費工的一種文體。

書中的種種技巧，可以幫助你以一種分析的方式，去看清楚劇本是怎麼樣變成一齣戲。戲劇的意義是什麼，其實不...

記得多年前在一次學術研討會上，某位創作劇本的講者強調：編劇是無法教的，只能靠天分。當時我提出異議，解釋說，全世界的戲劇或劇場藝術系都開設編劇課程，甚至大學部有基礎編劇(Basic Playwriting)，碩士班有進階編劇(Advanced Playwriting)。回到臺灣的戲劇系的課程，當然也都有編劇課，這證明編劇這門藝術是應該在課堂上提供學生學習的。如果觀察臺灣已出版的文學作品，不難發現小說、戲劇、散文與詩歌這四大類的出版數量當中，劇本的數量最少。然而臺灣一年裡，傳統與現代劇團及各式比賽演出的劇本，保守估計，絕對超過三百部。然而，我們很清楚，臺灣劇場界最欠缺的是編劇人才。由於劇團或參賽學校的編劇，泰半缺乏專業編劇訓練，因此完成的作品經常漏洞百出。

進一步來說，戲劇系大一的學生也會有劇本導讀的課程，教導學生如何閱讀、分析劇本。而劇場藝術工作者，如導演、編劇、演員、舞台美術、燈光音效等設計人員等，當然也得理解劇本的意涵，也得掌握閱讀、分析劇本的要訣，才能對戲劇文本做出最佳詮釋，在舞台上呈現給觀眾。相信大家閱讀劇本有個共同的現象：讀過之後的第二周，劇情會開始模糊，到了第三周可能就忘掉泰半的內容。即使觀賞劇場的演出或電影，也會出現同樣的困擾。可惜的是，在某校的劇本導讀課，居然是全班四十名學生，輪流把台詞唸完就結束，既不討論主題、人物，更談不上潛台詞與其他重要的編劇技巧了。這樣的教學說來實屬可惜。。

大衛•鮑爾（David Ball）的這本《劇本筆記：讀劇必修的22堂課》，就是一本提供大眾如何閱讀、分析劇本的好書，無論是課堂上，劇場裡，還是自我進修都值得一讀。本書的特點是：一、循序漸進，環環相扣。全書包含三大部份：塑型、方法、技巧，構成環環相扣的22堂課。二、引用莎士比亞名劇《哈姆雷特》、《仲夏夜夢》等重要對白，解析各式方法與技巧。三、提示每章學習的重點。

作者感歎歐美學生都不閱讀劇本，反觀臺灣的學生，大多誤以為弄懂情節概要就算讀懂了。事實上，戲劇文本是所有文類中最複雜者，必須精讀（close reading）全劇，反覆推敲，才可能尋找出適當但並非唯一的解釋或答案。經典作品的人物絕非通俗劇的類型人物那麼簡易掌握，她／他需要讀者仔細精讀，層層探索，方能克竟全功。

作者也一再叮嚀：「當你能掌握閱讀劇本的技巧之後，就沒有劇本可以難得倒你。而且你會發現，有技巧地閱讀劇本能帶來很特別的愉悅感受。這種讀法不會讓閱讀劇本變成令人厭煩的苦差事，更不至於囫圇吞棗，可惜的是，很多人都不知道。」這話說得好，何況，工欲善其事，必先利其器。聰明的讀者都知道該怎麼學習的。

臺灣劇場藝術界最弱的是劇本，學好如何閱讀分析劇本，再來結合編劇藝術，才有可能創作出感人的作品。

石光生

記得多年前在一次學術研討會上，某位創作劇本的講者強調：編劇是無法教的，只能靠天分。當時我提出異議，解釋說，全世界的戲劇或劇場藝術系都開設編劇課程，甚至大學部有基礎編劇(Basic Playwriting)，碩士班有進階編劇(Advanced Playwriting)。回到臺灣的戲劇系的課程，當然也都有編劇課，這證明編劇這門藝術是應該在課堂上提供學生學習的。如果觀察臺灣已出版的文學作品，不難發現小說、戲劇、散文與詩歌這四大類的出版數量當中，劇本的數量最少。然而臺灣一年裡，傳統與現代劇團及各式比賽演出的劇本，保守估計，絕對超過三百部。然而，...

大多數的人在閱讀劇本的時候，會想像它在舞台上被搬演的樣子。但根據我曾經有幸在英國伯明罕話劇團劇場，為貝瑞傑克森爵士工作時的觀察，其實不是所有的人都這樣。貝瑞傑克森爵士除了是個有奇妙癖好的人之外，也是對英國劇場界來說，最後僅存的幾位重要資助者之一。他的做法反而是看著舞台上的演出，然後去想像這齣戲還是文字的樣子。

最近我剛好有機會實驗一下這個有點奇妙的方法。我被邀請擔任劇作家諾爾寇威爾（Noel Coward）的作品《開心鬼》（又譯《歡樂幽靈》Blithe Spirit）的顧問，這部戲已經被搬上舞台並且演出了，而我還沒有看過劇本。我親自完整的看完三場演出，非常努力去試著理解劇作家被隱藏或扭曲的原意，換句話來說說，就是試著接近劇本的原始樣貌。我很驚訝的發現，用貝瑞傑克森爵士的方法去理解劇本的原意，比起其他任何手段，包括大衛鮑爾在這本非常實用的書中所提到的各種技術，都還要立即有效。唯一的問題是，貝瑞傑克森爵士的方法，需要仰賴舞台上的演出。

這種「前進與後退之法」，凸顯出劇本不只是一種文學的表現形式，更是活生生的戲劇演出素材——有時候其中的結構特點甚至與樂譜相仿。文學和戲劇之間的差異其實非常巨大，一個演出的聲音、音樂、動作、視覺、整體氛圍－還有更多－都等著被從劇本的深處挖掘出來，那是沒有辦法經由嚴謹的文學手段，例如劇本的閱讀與分析來理解的。閱讀本書，就像是窺探劇作家的工具箱，翻找出他在造藝時的特殊器械。對劇本閱讀的新手來說，前進與後退之法這本書所提供的技巧，不只有助益，更幾乎延伸涵括了各種層面。對進階者－即使是經驗十分豐富的老手－來說，本書就像是更進一步探索劇本原始樣貌的指路牌和照明燈，讓未來的體驗可以更加豐富並且充滿個人獨有的感受。

麥可萊亨

茱莉亞學院　紐約市　1982

大多數的人在閱讀劇本的時候，會想像它在舞台上被搬演的樣子。但根據我曾經有幸在英國伯明罕話劇團劇場，為貝瑞傑克森爵士工作時的觀察，其實不是所有的人都這樣。貝瑞傑克森爵士除了是個有奇妙癖好的人之外，也是對英國劇場界來說，最後僅存的幾位重要資助者之一。他的做法反而是看著舞台上的演出，然後去想像這齣戲還是文字的樣子。

最近我剛好有機會實驗一下這個有點奇妙的方法。我被邀請擔任劇作家諾爾寇威爾（Noel Coward）的作品《開心鬼》（又譯《歡樂幽靈》Blithe Spirit）的顧問，這部戲已經被搬上舞台並且演出了，而我還沒有看...

推薦序
序
引言
第一部：塑形
1. 是什麼推動戲劇進展？
2. 接下來怎麼了？
3. 倒敘
4. 靜止和侵入
5. 困難和衝突
6. 無知即是福
7. 戲劇性

第二部：方法
8. 鋪陳
9. 情節推演：期待下一步
10. 缺席的人物（角色）
11. 影像
12. 主題

第三部：技巧
13. 背景資料
14. 相信劇作家
15. 家庭
16. 概說：情緒、氛圍
17. 特殊元素
18. 時代更迭
19. 最後的高潮
20. 各種開場／各種結局
21. 重讀
22. 接下來呢？

推薦序
序
引言
第一部：塑形
1. 是什麼推動戲劇進展？
2. 接下來怎麼了？
3. 倒敘 ...