攝影的熱忱：成就精采攝影的10項心法

第2項 心法

大量拍攝——10000個小時的練習與堅持



你的前10000 張照片都是你最糟糕的照片。

——布列松（Henri Cartier-Bresson）



大家都知道，要學習某件事最簡單的方式就是親自去做。拍攝越多照片，攝影技術就會越好。就是這麼簡單——拍攝越多，反應也越快，藉由經驗體悟什麼才會成功、而什麼不會。拍攝越多，眼睛看著觀景窗的時間也越長，才能夠在正確的時間到達正確的地點，並在正確的光線下拍照，不需要再思考。但要到達這樣的境界，必須花費足夠的時間練習。重複是你的導師，經驗也會隨侍在側，讓你在需要的時候得以運用。當你無可避免遇到懷疑之牆時，就會有足夠的信心去克服，因為你已是過來人。信心是靠經驗累積的，當你擁有大量作品，距離傑出影像的境界就更近了。



即使是在使用底片機的時期，我也會盡可能拍攝更多照片。當我還在報社擔任攝影記者時，就會比其他人拍攝還要多的照片。這種作法或許有某種程度是因為擔心錯過任何鏡頭，不過，主要我是想藉此練習到能夠憑直覺按下快門。當捕捉生命中無法預期或重複的時刻，這點相當關鍵。攝影多少帶點類似想要預視未來的企圖，必須在關鍵的瞬間來臨之前按下快門；這也是說，我也有許多時候會猜錯正確時機，但這種自由拍攝方式如果成功了便相當值得，而這也是確保我在每一項工作得到最佳作品的方式。



布列松在他漫長的攝影生涯中，以多產而著稱，然而，當年的他用Leica 相機拍攝，捲片速度勢必比數位單眼相機還要慢。或許我們得修正他的引言為：「你之前的100000 張照片都是你最糟糕的照片。」另外，我想要釐清的一點是，拍攝大量作品並不代表不停地按下快門，為了拍攝而拍攝。布列松也曾提到過，你不能太過量的拍攝，就像飲食過量一般。在攝影中，只要數分之一秒就會造成平凡無奇的照片與經典傑作的區別，最佳鏡頭有可能在瞬間便錯過；但我要強調的是，攝影者必須努力外出拍攝更多照片，處理眼前場景（第3 項心法將進一步介紹）並研究結果，從錯誤中學習並修正，以避免將來重蹈覆轍。這段不停反覆的成長過程將在本書的10 項心法中再度強化出來。



尤其是在風景與紀實攝影這個領域，除了親臨現場，沒有其他的替代方案。身處於最佳的光線之下、拿著正確的相機與鏡頭組合、從最佳地點瞄準最佳角度、採用最具有震撼力的構圖、在最棒的時刻按下快門——這樣的機率是很小的。不過話說回來，最佳的相機位置與快門時間則有許多選擇，或許成功率也不會太糟。



我將35 年來身為攝影師所學到的一切濃縮在這本書中，而第2 項心法大概是所有心法中最漫長的階段了，因為這項心法沒有捷徑。不過，從底片到數位的變革大幅縮短了我們看到成果的時間，或許可以算是成為偉大攝影師的一種捷徑。



無庸置疑，數位攝影加快了成為攝影師的學習曲線，特別是近年來的技術發展，不過，你仍然可以藉由單純地拍攝更多照片來加速成長的腳步。在本章稍後部分，我將論及掌握技術對於發揮創意的重要性，但，首先要討論完成大量作品的必要性。



靈感可以像雷擊般出現的想法終究並非現實。從我的經驗與觀察，傑出的作品都是來自真誠的工作態度。不過，充滿熱情的攝影師是因為無法停止攝影而攝影，而這種感覺鮮少像是在工作。









風格與技術

不論你熱中的主題是什麼，能成為頂尖攝影師的另一個共通點，就是他們能夠將自己獨特的個人觀點傳遞給照片的觀賞者。



個人風格代表著定義你的攝影方式，包括攝影對象以及使用技術——裝備、鏡頭、主題距離——等等。我們都從自己所景仰的攝影大師們汲取到一些東西，但是在產出大量作品之後，就會開始偏離他們的路徑，另闢自己的新足跡。當你看到一群攝影師都從同一個有利位置拍攝時，趕快跟著拍一張，然後到別處去尋找專屬於自己的攝影位置。



在第1 項心法，你已經問過自己要拍攝什麼了，也應該找到自己想要從事的計畫或主題，自此開始要經過漫長歷程之後，才能發展出屬於你的風格。你的風格留待他人來評論，而你只需持續拍攝。



人像照與燈光大師葛列果利． 海斯勒（GregoryHeisler）是我見過最善於表達的攝影師。



我對自己的作品懷有抱負、野心、想法及目標，

但就某種程度而言，這些目標的唯一目的就是我

拍攝照片的動力。唯有透過攝影，我才能了解自

己，或自己拍攝的照片是什麼。到頭來，結果往

往是作品並非當初自己想要拍攝的影像，而實際

的方向也不是自己期待的方向。

——葛列果利．海斯勒



第3項 心法

構圖法則——別放棄施展魔法



我的工作方式很笨拙——我不喜歡安排，

當我站在某樣東西前面，與其要求對方調整，我會選擇調整自己。

——黛安．阿巴斯（Diane Arbus）



我在第2 項心法提到拍攝大量照片的過程與重要性，讀過之後，你應該了解到要完成這本書提到的10 項心法成為傑出攝影師，將花費比你原先預期更多的時間。



就如生命中的許多事情，捷徑可以讓你更快達到某個地方，但往往這段旅行的過程就是目的地，而漫長的路程會讓你得到許多收穫。

本章要討論的是構圖的典型，能協助你決定最佳相機位置及各種構圖方式，來完成第2 項心法拍攝大量作品的訓練。







基本指南

「構圖法則」可以幫助你透過有效方式拍攝大量照片。完成之後，我保證你會到達意想不到的攝影境界。



在談到正題之前，我必須先說明，我不會去分解影像構成要素並以科學的態度來分析。各種構圖規則有其存在的理由，因為它們往往很管用，對新手攝影師來說，這些指引有時會為左腦帶來困擾，若過度在意是哪些該做的或不該做的，反而會妨礙藉由自己的觀察與感覺構圖的過程。創作的過程帶有神祕的魔法成分，實在難以用語言來完善表達。有時候，一張照片符合所有構圖規則，結果卻相當無聊。



決定在畫面中納入什麼或排除什麼（亦即組織空間）是拍攝照片最重要的工作。構圖就像跳舞一樣，攝影師需要四處移動，尋找新的角度檢視變化，才能找到最佳拍攝位置。



由於構圖（composition）是談論攝影常用的詞，我也加以沿用在本章中，不過，更精確的說法或許應該是「框景（framing）」。因為composition 一詞暗示你可以掌握構圖，但大多數情況是只能決定要在觀景窗中納入或排除哪些要素。



我所謂的構圖以及掌控拍照，也就是探索不同選擇的過程。攝影者不只是藉由移動來改變構圖，在隨時變化的世界中，攝影師所捕捉的特定時刻也會影響到最後的照片。



手勢或表情會在每一格中出現變化，這些細微改變會對影像成功與否造成巨大影響。跪下來改變視角，也能夠改變前景主題、背景，以及地平線的相對位置。



這一切都關乎微妙的差異。



「構圖之舞（conpositional dance）」是在幾吋距離中製造變化，你可以從觀景窗檢視細微的動作是如何產生巨大的變化——這一點相當重要，因為相機位置只要稍有偏差，就會創造出截然不同的世界。



攝影在達到最高境界時，很像音樂家透過音符來激發情感、或設計師刺激感官的過程。如果要我說明四處移動框景時的目的，我會說是正在試圖安排視覺元素，考慮如何框景拍照才能傳遞最強烈的印象。



在累積一定的經驗後，攝影者會養成隨時盯著觀景窗的習慣，觀察畫面中線條與形狀的配置、平衡、前背景相對關係及比例。



安排完美的這些元素，是許多傑出影像的共通點，但往往無法由攝影者掌握。不過，你仍舊可以盡可能得到最佳光線、最佳相機位置、正確曝光、選擇適當鏡頭，並在關鍵時刻按下快門。拍攝大量照片可以幫助你掌握技術層面，讓你專注於攝影中最重要的部分：觀察並捕捉動人而具有意義的畫面，將你認為美麗、重要、有趣、悲傷或單純值得記錄的主題傳遞給他人。



攝影者在追求創作時，應融合拍攝動作與觀察，思考拍攝什麼、何時拍攝以及如何拍攝。處理構圖的過程能幫助我們用新的方式觀察世界，並強迫我們離開自己的舒適區。



偉大的布列松曾在描述構圖過程時提到處理構圖的觀念：



不凡照片與平凡照片之間的區別，或許只有數公釐的差異。差別如此微小，卻相當關鍵。當我選擇從某處拍照時，還會進行非常細微的移動，這樣的移動不是蹦蹦跳跳，有可能只是鼻子、眼睛和觀景窗之間的細微變化——我喜歡建立這之間的關係。有時沒有照片就是沒有照片，好嗎？

——布列松（Henri Cartier-Bresson）

構圖之舞也包括細微的技術調整。一格光圈造成的微妙景深差異可以讓你的照片變得完美而銳利，而適當的模糊區域或凍結動作的快門速度⋯等也具有同樣的效果。









此時此刻



時間觀念在攝影中非常重要，不只是你投注在攝影的時間，還包括快門時間。

高速快門可凍結時間，慢速快門速度則能夠呈現動作產生的幻覺。



時間的流逝往往能夠讓影像變得更有趣。畫面中的車子、流行、髮型或當時的電子用品（或欠缺電子用品）等線索會透露出照片拍攝的時間。當影像越來越舊，就可能成為寶貴的歷史紀錄。



幾年前在美國旅行時，看到有些地區像停留在過去，不禁為之驚嘆，也成為我想要捕捉的主題之一。永恆影像相反的則是由相機高速快門捕捉的飛逝時光。

這些影像無法重拍，也不會再發生。攝影師必須精確地捕捉所有元素出現在畫面的時刻，按下快門凍結時光。這樣的能力及技巧是我們必須努力培養的。



布列松創造了「決定時刻（the decisive moment）」這個詞，用來描述將完美的顛峰時刻永遠凍結在照片中。



快門速度是攝影與其他視覺媒體的最大區別。攝影能夠凍結現實生活中看不見的時刻。



艾格頓就如所有偉大攝影師與藝術家，用嶄新的方式向我們呈現熟悉的世界。他使用短於1/10000 分之一秒的閃光燈，拍攝牛奶濺起而形成的「王冠」，或是子彈穿透蘋果的畫面，呈現出前所未見的動作靜止之美。



改以新的角度觀察，同樣也是顛覆傳統世界觀的關鍵。努力研究構圖，就能讓你

對熟悉的主題產生新觀點。



然而，構圖藝術並非科學。攝影是很個人化的過程，攝影者必須走過很長的路才能信任自己的直覺——尤其因為攝影的創作過程涉及很大的技術層面。



處理場景



當你找到拍攝主題，必須經過「處理場景」的減法過程——排除紛亂、整理並組織畫面元素，將焦點集中在你認為重要的部分。檢視畫面角落，確認沒有錯過任何東西，並藉由排除或納入某些元素來改善畫面細節。



有時強烈的構圖會營造出能量與動作，藉由畫面中的線條與曲線將觀賞者的視線集中在某處。另外，影像內容本身及其意義（包括觀賞者的詮釋）也很重要。







改變據點



當我們在拍攝時往往會由最平常的姿勢觀察世界：站直身體，隔著一段距離觀看視線高度的主題。這算是我們的舒適區，不太近也不太遠。不過在構圖之舞當中，這只是拍攝的起點。我建議大家多從平常不會拍攝的角度進行拍攝——這麼做雖然會讓第7項心法更加困難，但在編輯時難以選擇反而是件好事，這代表你有許多好照片可以選擇。



填滿畫面通常是強調出照片重點的好方式。「拍照，接著往前走三步，再拍一張。」

這是我和攝影夥伴比爾．杜倫斯（Bill Durrence）共同相信的口號，因為它幫助許多攝影師找到美學焦點。我們必須脫離自己的舒適區，從不同的角度來觀察，有時還得接近到不自在的地步。



你必須在照片中以嶄新角度來呈現熟悉的景象——蹲低、爬到高處、貼近對象、或由其他令人意外的相機位置來探索不同觀點，這就是構圖之舞。找尋相機位置時不能退縮，必須勇敢探索，找到最好的拍攝位置。



國家地理雜誌攝影師山姆．阿貝爾（Sam Abell）曾提及，攝影過程通常處於混沌狀態，許多事都超出你的控制。

你能夠控制的只有框景，在決定構圖之後，如果畫面中出現移動物體，憑著運氣與時機或許能凝聚所有力量，得到出色的照片，但大多數情況都不在你的掌控之中。



拍攝正確的照片需要時間，即使拍攝對象是靜止的也一樣。拍攝對象無法移動時，你必須自己移動——靠近、退遠一點、換顆鏡頭、使用三腳架、修正某些細節、退後、重新思考、重新構圖、重複整個過程。當畫面感覺變得妥當，就可以拍了。

——山姆．阿貝爾

摘自《攝影生活（The Life of Photograph）》

選擇與限制



構圖之舞的目的是藉由移動自己與相機，讓觀景窗中的細節也隨之移動，以便得到最強烈的視覺效果。你可以利用所有攝影技巧，創造出欲傳達的氛圍與情緒。首先，你必須認清並了解這個主題吸引你的特質是什麼，並透過專注與直覺，決定如何最有效地透過相片傳達出心中的感覺。



有時你必須停下來思考自己正在做什麼，以確定你對主題的處理方向無誤。

當你擁有清晰的觀點，了解自己想要如何呈現主題，攝影就成功了一半了。

掌握自己的想法，才能指引拍攝方向，進而拍到理想的照片。



你不應只是直接記錄眼前發生的景象，而是要設法創造誘發觀賞者情感的照片——或許正好呼應了拍攝時的情緒。



即使是老練的攝影師，也不能輕忽處理場景的過程。有時候在現場會以為某張照片是傑作，但結果卻不是。即使我一輩子從事攝影，仍無法完全確定哪一張照片會是最好的作品。有時最好的作品反而是當時沒什麼印象的作品，因為我是憑直覺捕捉到某個表情、手勢、或稍縱即逝的瞬間，而這些短暫的瞬間往往無法有意識地辨識。



在電腦螢幕上發現意外的驚喜，是我在攝影中最大的樂趣之一。因此，我主張應該隨時移動自己的腳步與相機以進行拍攝，憑感覺與直覺不錯過任何機會。反正你拍的是數位底片，可以在事後刪除，所以，儘管拍吧！







進一步解構



接著來稍微談談構圖理論吧。為了幫助你處理構圖，接下來將討論如何安排影像構成元素，以得到成功的作品。這些決定通常是憑直覺，但同時也包含了經驗。等到培養出獨立思考能力之後，就更容易透過攝影來表達情感了。當我們研究公認的影像傑作時，便可以看出這些傑作的共通點——畫面中共通

的特質，以及給人強烈印象的相片內容。



以下我會解構一些相片元素，以幫助你找到處理構圖時最有效的方法。影像的元素包括：形狀（二次元的物體輪廓）、質感（物體表面的特質，隨光線照射方式而可視或不可視）、形體（三次元的物體）、色彩或色階（黑白），當然更不能少了光線——它會強烈影響到以上所有元素的呈現。



色彩可以主宰影像，給予畫面特別的意義。前《國家地理雜誌》與《華盛頓郵報》攝影編輯、多媒體祖師湯姆．甘迺迪（Tom Kennedy）曾經說過：好

的色彩可以「加強照片內容」。



但色彩也可能造成分心。拍攝彩色照片時，必須找出潛在的色彩擾亂因子，透過框景將它們壓到最低。這就是為什麼黑白攝影往往具有強烈效果，也是許多攝影師選擇在黃金時間拍攝的理由——當景色浸染在暖色調中，可以減少紛亂的色彩因子；此外，太陽位在天空較低的位置，可以替風景地形（不論作為主題或前後景）增添立體效果。



敵人



有些人認為，自動對焦是構圖的敵人，因為相機對焦點一般在正中央，因此，攝影師自然也會將對焦主題放在中央拍攝。然而多數相機都可以讓你改變對焦點，因此，不必受制於觀景窗內的對焦點——尤其是在進行構圖之舞時。你可以鎖住對焦，並重新構圖。



如果你從事攝影工作 很久，或許記得過去只有手動對焦的時代。許多攝影師必須花費多年時間才能習得此項技術，最佳的運動攝影師則往往和他們拍攝的運動員一樣敏捷，才能以迅速的眼手連動能力正確對焦在快速移動的運動員，捕捉關鍵時刻。



幸運的是，記得當我的視力逐漸變差，已經無法依靠自己的判斷來手動對焦時，自動對焦技術開始在這此有了明顯的進步。自動對焦當然無法解決一切，你仍舊需要與手動對焦時相似的技術、專注與靈敏，但只要使用得宜，得到銳利影像的比例會提高許多。



不過即使數位單眼相機的自動對焦功能相當優越，仍舊會碰到以手動對焦構圖較方便的情況，尤其在低光場景使用大光圈拍攝選擇性對焦時，用手動對

焦會較為適合。



雖然相機可選擇畫面中不同位置的對焦點，但也只有在固定的幾個位置，而使用手動對焦則能夠任意構圖，甚至可以對焦在接近邊緣的地方，不用管它是否落在任一個對焦點上。如果拍攝對象移動了，你也可以迅速重新對焦，並等候最佳時機按下快門。

第2項 心法大量拍攝——10000個小時的練習與堅持你的前10000 張照片都是你最糟糕的照片。——布列松（Henri Cartier-Bresson）大家都知道，要學習某件事最簡單的方式就是親自去做。拍攝越多照片，攝影技術就會越好。就是這麼簡單——拍攝越多，反應也越快，藉由經驗體悟什麼才會成功、而什麼不會。拍攝越多，眼睛看著觀景窗的時間也越長，才能夠在正確的時間到達正確的地點，並在正確的光線下拍照，不需要再思考。但要到達這樣的境界，必須花費足夠的時間練習。重複是你的導師，經驗也會隨侍在側，讓你在需要的時候得以運用。當你無可避免...