何邁．張至維

　　西方藝術史對「繪畫性」的研究，源自「畫框」的設置。在畫框之內，世界變成被觀看的圖像客體；在畫框之外，畫家與觀者成為創作與認知的主體。洪藝真重新界定「繪畫性」的意義，保留「畫框」的窗框形式，揚棄畫面內容的主題言說，將作品簡化到「顏料、畫框、畫布」三種基本元素。看似扭曲的畫框與縮水的畫布，是物件複製與肌理再現的創作結果；厚、薄不同的畫框與顏料的流動特性，都在寧靜的空間氛圍裡如實還原。 洪藝真（1971-）早期赴英國學習美術創作，1992至2002年期間先後進入東倫敦大學、皇家藝術學院與瑞丁大學就讀，並於2002年獲得博士學位，現於國立臺南藝術大學材質創作與設計系任教。其作品風格受到美國抽象主義與極簡主義的影響，強調材料與形式的單純性，運用媒材原來的質感；採用簡單的四邊形，削減具體形像傳達意識的可能性；使用重複或均等分佈的手法，製造畫布與畫布之間理性的對話頻率。 洪藝真近期的展覽是持續發生中的系列事件。2007年伊通公園的「複製─再現 洪藝真個展」，探討「複製即再現的延伸」的觀念，以人工複製的方式將油畫作品翻模處理，精確而完整再現「原作」中細膩的筆觸與畫布原始的肌理。2008年竹師藝術空間的「還原─再現 洪藝真個展」，探討「再現」後「還原」的可能性。2009年在臺北市立美術館「主體．繪畫．客體」的命題，再次向觀眾提問「繪畫性」的辯證關係。「繪畫」一詞既是名詞也是動詞，既是主觀的意志表現也是客觀的創作載體，於是將「繪畫」置於主體與客體間，在多義的詮釋中擺盪、發展；讓每件作品都是提問，答案則讓觀者自行提供。 本展展出洪藝真2007至2009年的作品19件，全數以「無題」為名，再次讓創作者隱身在作品之後，讓作品自己說話。除了對創作的精準要求，展場也精心規劃為黑白兩色區塊。黑色空間在方形燈光的幽微指引下，作品本身的物質性益發彰顯，玻璃纖維的原作複製、畫布的橫豎條紋、油彩的流動性與烤漆的鮮豔原色，如同物件般的凝結靜止。白色空間架設透明壓克力架，放置用陶土翻模製成的畫布「文件」480片，藝術家邀請觀眾拿起一片砸碎，解構藝術史中對「繪畫」的定義。破碎後的重新拼組能否再現原件？不同參與者的拼組行為能否得到相同的結果？藉由「事件」的發生，讓觀眾透過主動參與，進而思索藝術家的創作目的。 洪藝真的作品看似簡單，然而所蘊含的能量，讓其作品如肺一般，會呼吸、有起伏。其個人化、手工化、美感化的藝術表現，展現創作者在媒材與作品間靈巧的互動關係，也重新定位繪畫領域中主體與客體的存在價值，並以嚴謹的態度突破現實制約，持續創造深具個人風格的藝術天地。

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《主體.繪畫.客體-洪藝真個展》

　　本展展出洪藝真2007至2009年的作品19件，全數以「無題」為名，再次讓創作者隱身在作品之後，讓作品自己說話。除了對創作的精準要求，展場也精心規劃為黑白兩色區塊。黑色空間在方形燈光的幽微指引下，作品本身的物質性益發彰顯，玻璃纖維的原作複製、畫布的橫豎條紋、油彩的流動性與烤漆的鮮豔原色，如同物件般的凝結靜止。白色空間架設透明壓克力架，放置用陶土翻模製成的畫布「文件」480片，藝術家邀請觀眾拿起一片砸碎，解構藝術史中對「繪畫」的定義。破碎後的重新拼組能否再現原件？不同參與者的拼組行為能否得到相同的結果？藉由「事件」的發生，讓觀眾透過主動參與，進而思索藝術家的創作目的。

　　洪藝真的作品看似簡單，然而所蘊含的能量，讓其作品如肺一般，會呼吸、有起伏。其個人化、手工化、美感化的藝術表現，展現創作者在媒材與作品間靈巧的互動關係，也重新定位繪畫領域中主體與客體的存在價值，並以嚴謹的態度突破現實制約，持續創造深具個人風格的藝術天地。